En guise d’ouverture de saison, l’Orchestre de l’Université de Montréal vous propose un concert tout en contraste où brilleront les talentueux interprètes de la prochaine génération. Sous la direction de Mathieu Lussier, découvrez l’ouverture de l’opéra Le Roi d’Ys d’Édouard Lalo, œuvre des plus fougueuses au sein de laquelle règnent mystère, trahison et vengeance. Toute en douceur et empreinte d’un poignant lyrisme, La nuit et l’amour de la compositrice française Augusta Holmès se déploie quant à elle dans une ambiance paisible, laissant entendre les nuances les plus douces de l’orchestre, agencées au son délicat de la harpe. 

S’ensuit l’héroïque Concerto pour cor nº 1 en mi bémol majeur de Richard Strauss, qui mettra en valeur le corniste Noah Laroque, lauréat du deuxième prix du Concours de concerto de l’OUM. La Symphonie nº 8 d’Antonin Dvořák promet quant à elle une fin des plus éclatantes, où mélodies inspirées du folklore tchèque et passages grandioses caractéristiques de l’écriture symphonique du compositeur s’enchaînent. 

Cet événement s'inscrit dans le Festival Vibrations qui a lieu du 16 au 18 octobre 2025. 

Ce concert de l’OUM réunit quatre pages orchestrales de la fin du XIXᵉ siècle, quatre différents visages du romantisme tardif. L’Ouverture du Roi d’Ys d’Édouard Lalo ouvre le programme dans une ambiance tragique et surnaturelle. Changement d’atmosphère avec La Nuit et l’Amour d’Augusta Holmès, un interlude baigné de lyrisme, plus secret. Composé la même année, le Concerto pour cor n°1 du jeune Richard Strauss regarde du côté opposé : ici, c’est la virtuosité et l’enthousiasme de la jeunesse qui priment. Enfin, la Huitième Symphonie de Dvořák, véritable pilier de ce programme, alterne entre élans populaires et célébration de la nature.

Écrites entre 1884 et 1889, ces quatre œuvres diffèrent par leur forme — ouverture, interlude, concerto, symphonie — et par leur tempérament, mais elles poussent toutes l’orchestre à développer sa palette expressive.

Drame et châtiment

Le concert débute par un classique du répertoire symphonique français : l’ouverture du Roi d’Ys (1888) d’Édouard Lalo. Tirée de l’opéra éponyme, elle en condense les principaux thèmes – l’amour, la jalousie et le destin – et se suffit à elle-même. La source d’inspiration de l’opéra provient d’une légende bretonne : Margared, fille du roi de la cité d’Ys, menace par jalousie d’engloutir sa propre ville, jusqu’à ce qu’une intervention divine la préserve.

Dès les premières mesures, l’atmosphère se tend. Les cordes attaquent à l’unisson, avant qu’un intervalle diminué ne vienne fissurer l’harmonie : une dissonance brève, mais menaçante. Le hautbois énonce alors une mélodie empreinte de mélancolie ; on pourrait presque y entendre une plainte. Puis, consolatrice, la clarinette s'y mêle avec un thème majeur plus doux. Les cordes, sources de tension avec leurs trémolos, préparent l’entrée solennelle des cuivres, telle une proclamation, un avertissement venu d’un autre monde.

Un nouveau motif surgit ensuite en ré mineur. Il s’agit d’une ligne contrapuntique – plusieurs voix entremêlées – rythmée par des syncopes qui la rendent à la fois vive et instable. Après un court apaisement, l’élan reprend de plus belle et débouche sur un grand thème d’amour confié aux violoncelles, chanté dans un legato ample et généreux. Enfin, tout s’épanouit en ré majeur : une fin éclatante, comme si la lumière triomphait après la tourmente.

Cette ouverture condense à elle seule ce que l’opéra développe sur toute sa durée : du lyrisme à fleur de peau et de la tension dramatique. On y sent l’influence de Wagner, certes, mais transposée dans une sensibilité typiquement française : claire, noble -presque aristocratique- et directe.

Au cœur de l’intime

Augusta Holmès, compositrice d’origine irlandaise devenue française par naturalisation, fait figure d’exception dans le Paris de la fin du XIXᵉ siècle : peu de femmes parviennent alors à se faire une place sur la scène musicale professionnelle, et elle y accède avec une forte détermination. Son poème symphonique Ludus pro patria (1888), conçu pour chœur, orchestre et récitant, est le fruit d’une ambition presque wagnérienne — celle d’une œuvre d’art totale. De ce monument musical est tiré un moment suspendu : La Nuit et l’Amour, interlude orchestral plus secret et contemplatif.

La pièce s’ouvre Andante amoroso molto lento, doux et paisible. Flûtes, harpe et cors installent ce climat délicat, prolongé par les cordes. Le thème principal est énoncé par les violoncelles et revêt les atours d’une valse lente, au phrasé legato, délicat et rêveur. Autour de cette rêverie, l’accompagnement est presque murmuré : arpèges de harpe, pizzicati graves et les interventions suspiratio des bois soutiennent discrètement la ligne mélodique tout en lui conférant sa dimension dansante.

Peu à peu, le thème circule d’un pupitre à l’autre. Il s’élève dans l’aigu, se gonfle d’intensité et de vitesse (un poco animato), mais retombe brusquement dans les graves avant de pouvoir atteindre son climax. La valse revient alors, cette fois portée par tout l’ensemble des cordes, puis se dissout dans une coda fragile : il n’en reste plus que des fragments, sur un fond de trémolos.

Créé en 1891 lors d’un hommage à César Franck, cet interlude a très régulièrement été joué et n’a jamais quitté les programmes : il séduit par son lyrisme discret et l’élégance de son orchestration. Contrairement au Roi d’Ys, on y entend moins dans La Nuit et l’Amour la grandiloquence d’une héroïne romantique que la voix intérieure sensible et poétique d’Augusta Holmès.

Fougue et virtuosité

Le Concerto pour cor n°1 de Richard Strauss (1882-1883) est l’œuvre d’un compositeur à peine âgé de dix-neuf ans, mais déjà pleinement conscient de ses moyens. Fils d’un corniste renommé, Strauss connaît bien l’instrument pour lequel il écrit : il sait quel en est son potentiel expressif et ses contraintes techniques. Ce concerto est souvent considéré comme son véritable premier chef-d’œuvre et annonce déjà son goût pour le lyrisme flamboyant du romantisme tardif.

Le premier mouvement (Allegro) s’ouvre sur un éclat orchestral, tutti, en mi♭ majeur, immédiatement suivi de l’entrée du soliste. Le cor déploie alors des arpèges larges, ponctués de rythmes pointés à l’orchestre, martelés avec une certaine sévérité. Le thème principal, au contraire, s’étire dans un long phrasé legato, noble et chantant. Strauss alterne ces élans avec des réponses discrètes des bois et des cordes, jusqu’à une montée orchestrale qui culmine sans brutalité. La résolution du climax se fait en douceur, avec une chute progressive de l’orchestre dans le registre grave, laissant l’espace nécessaire à l'Andante pour développer de nouvelles couleurs.

Le ton du deuxième mouvement est plus intérieur, presque méditatif. Le cor dialogue avec les violoncelles sur des motifs répétés, douloureux mais sans sombrer dans le pathos et le tragique. Les fréquents sauts d’octave rendent la ligne mélodique du soliste plus intense et expressive.

Le final (Allegro) adopte la forme d’un rondo enjoué. Écrit attacca -sans pause entre les mouvements- le soliste s’y lance dans une virtuosité bondissante, avec une figure de levée caractéristique. Ce mouvement alterne entre des traits rapides, des échanges légers du soliste avec les bois, des phrases plus soutenues et chantées, et un thème de refrain éclatant qui gagne en assurance à chaque itération. La coda est triomphale et solaire : on y sent la fougue d’un jeune compositeur qui célèbre à la fois son instrument et l’orchestre tout entier.

Clairière et chants d’oiseaux

Pièce maîtresse du programme, la Huitième Symphonie d’Antonín Dvořák (1889) transporte l’auditeur au cœur des paysages et des chants d’oiseaux de Bohème du Sud. Plus lumineuse et spontanée que la sévère Septième Symphonie, elle est imprégnée d’un lyrisme pastoral et nourrie de mélodies populaires. Dvořák y adopte une écriture plus libre que dans ses œuvres précédentes : il multiplie les motifs et les juxtapose dans un style presque rhapsodique.

Le premier mouvement (Allegro con brio) commence par un choral grave et solennel en sol mineur aux cors et aux violoncelles. Mais cette gravité est aussitôt balayée par un thème de flûte léger, semblable à un chant d’oiseau. Le compositeur se serait inspiré de sons entendus dans sa résidence à Vysokà, en pleine nature, lieu de composition de cette symphonie. L’écriture de ce mouvement est dominée par une verve épique, principalement véhiculée par les cordes et les cuivres, alors que les bois la teintent davantage d’une légèreté pastorale.

L’Adagio est écrit dans un style romantisme tardif avec une introduction aux cordes énoncée avec une ferveur presque religieuse. Un étrange dialogue suspendu et parcellaire prend place entre les flûtes, les clarinettes et les cordes graves. Le ton devient plus grave encore et cet échange se mue en une marche funèbre. Mais rien n’est figé : la tristesse ne dure pas et les clarinettes, puis le violon solo, soutenus par les cordes, donnent à entendre un nouveau thème en do majeur, porteur d’espoir. Tous les thèmes tragiques de ce mouvement sont contrebalancés par des motifs pastoraux.

Plus dansant et court que les autres mouvements, l’Allegretto grazioso propose une valse élégiaque en sol mineur, souple et légèrement mélancolique, interrompue par un trio plus franc en sol majeur : une mélodie ample, populaire, qui semble provenir du folklore bohémien.

Le final (Allegro ma non troppo) s’ouvre sur un signal de trompettes puis prend la forme de variations sur un thème lyrique énoncé d’emblée par les violoncelles. À chaque reprise, le motif change de caractère, tour à tour noble, espiègle, solennel, jusqu’à une coda jubilatoire qui emporte l’orchestre dans un élan final triomphant.

Bien qu’elle ait connu un succès modéré lors de sa création à Prague en 1890, la symphonie conquiert rapidement le public européen, notamment en Angleterre, où Dvořák la dirige lui-même. Si elle demeure aujourd’hui l’une de ses œuvres les plus appréciées, c’est principalement par sa diversité thématique et sa richesse expressive, alliant lyrisme, verve épique et caractère pastoral.

Épilogue du crépuscule

Ce programme invite à un voyage à travers des paysages musicaux variés : du tragique et du surnaturel de Lalo au lyrisme intime et discret de Holmès, de la virtuosité éclatante de Strauss à la sérénité pastorale de Dvořák.

Si ces quatre œuvres sont contemporaines entre elles, celles-ci ont été composées à des moments différents de la carrière de leurs compositeurs, et reflètent une certaine diversité de pays, de styles et de genres. C’est un parcours à travers le romantisme de la fin du siècle, où sont tour à tour évoqués les thèmes du tragique, de la nature, de l’amour, ainsi que la notion de virtuosité.

Notes de programmes rédigées par Arthur Prieur, étudiant au doctorat en interprétation, sous la supervision de Sylveline Bourion.