Préambule

Élan de nouveauté, élan de jeunesse, élan de passion! L’Orchestre de l’Université de Montréal entame sa 30^e saison avec Lysis, une création de Snežana Nešić, lauréate du Concours de composition de l’OUM 2023. Vous entendrez ensuite Ming Wong et Charissa Vandikas, gagnantes de la première place du Concours de concerto qui interpréteront avec virtuosité les acrobaties pianistiques du jeune Mendelssohn. Enfin, les élèves de l’École supérieure de ballet du Québec et les chœurs Métropolitain et de l’École de musique Vincent-d’Indy se joindront à l’OUM dans des extraits du célèbre ballet de Ravel, Daphnis et Chloé. Désir, fougue et passion sont au rendez-vous dans cette musique envoutante à l’ambiance pastorale. 

Snežana Nešić
Lauréate du Concours de composition de l’OUM 2023
Lysis

Note de programme rédigée par la compositrice :

Lysis tire son nom de la quatrième phase d’un rêve, telle qu’elle est décrite dans l’analyse de la mécanique du rêve par C.G. Jung. Cette phase survient après la troisième, dénommée Verwicklung (le point culminant ou la péripétie, où « quelque chose de décisif se produit ou se renverse »). Dans la phase de « lysis », le rêveur prend soudainement conscience des expériences oniriques étranges qu’il a vécues. Cela est caractérisé par un moment de « déclic », une sorte de prise de conscience à la fois de l’histoire du rêve et de sa propre situation psychique. 

Dans ma musique, j’ai souvent exploré les mécanismes des rêves qui, à mon avis, présentent de surprenantes similitudes avec les mécanismes de création d’une œuvre d’art. 

Mais je qualifierais aussi de moments « lysis » ces instants dans les rêves significatifs et dans l’art qui offrent des illuminations inattendues et qui montrent le monde soudainement dans toute sa beauté éclatante. Bien que ces moments ne soient pas uniquement liés à la beauté, ils sont également associés à une vérité profondément cachée, qui ne pourrait être exprimée que par les signes du rêve et de l’art.

L’œuvre est dédiée à Ana Sokolović.

Felix Mendelssohn
Né le 3 février 1809 à Hambourg, mort le 4 novembre 1847 à Leipzig 

Concerto pour deux pianos en mi majeur

C’est en 1823, à l’âge de 14 ans seulement, que Mendelssohn se lance dans l’écriture de son premier concerto pour deux pianos (il compose le second l’année suivante). Jeune en effet, mais Mendelssohn était déjà particulièrement prolifique en composition : il avait déjà écrit ses 12 Sinfonia pour cordes. Félix était particulièrement bien versé en harmonie, s’intéressant tout particulièrement aux compositions de J.S. Bach et de Mozart. Venant d’une famille bien nantie pour qui l’éducation des beaux-arts et des lettres était de mise, Félix et sa sœur Fanny étudiaient déjà depuis plusieurs années le piano et le contrepoint. Leur talent bien reconnu et le statut social de leur famille leur donnaient accès aux plus grands maîtres de l’époque. 

Après la première de son concerto qu’il interpréta lui-même avec Fanny en décembre de la même année, l’œuvre ne reçut que deux autres représentations. Ensuite, ce double concerto tomba dans l’oubli. Mendelssohn lui-même décida de ne pas le publier, considérant son œuvre trop immature. Ce n’est qu’en 1950 que le manuscrit fut trouvé et que le concerto fut à nouveau présenté dans les salles de concerts.

Dans son élan de jeunesse, Mendelssohn compose avec fioriture pour mettre en valeur la virtuosité des solistes. Le premier mouvement s’ouvre sous la structure traditionnelle de l’époque, c’est-à-dire dans une longue introduction (exposition) de la part de l’orchestre où sont présentés la majorité des thèmes musicaux qui seront repris plus tard par les pianos. Entendez clairement l’influence élégante de Mozart, douceur et scintillement. Les solistes se joignent ensuite à l’orchestre, d’abord dans une atmosphère discrète et pensive, mais qui se déploie rapidement de manière énergique.

L’Adagio, le mouvement central, nous berce dans un doux 6/8. On y entend déjà le don de Mendelssohn pour les mélodies éloquentes, évidentes dans ces œuvres matures comme dans ses célèbres Romances sans paroles. Le concerto se termine par un mouvement tout feu tout flamme où, dans sa frénésie, sont mis en scène la virtuosité des deux pianistes. Plusieurs passages sont répétés sans offrir de nouveau matériau, mais ces bis permettent néanmoins des réparties de la part des deux solistes. Après tout, Fanny était aussi virtuose que son frère! L’Allegro se termine sur une brillante envolée, l’apogée de l’exubérance des passages techniques. En somme, une œuvre épatante, où vitalité et virtuosité sont au rendez-vous.

Maurice Ravel
Né le 7 mars 1875 à Ciboure, mort le 28 décembre 1937 à Paris

Daphnis et Chloé (extraits)

C’est en 1909 que Ravel accepte une commande de l’impresario des Ballets russes, Serge Diaghilev, pour une composition musicale sur une légende de l’antiquité grecque. Ravel décrit son œuvre telle « une symphonie chorégraphique en trois parties. » En effet, son « intention était de composer une vaste fresque musicale, moins scrupuleuse de l’archaïsme que fidèle à la Grèce de mes rêves. » Inspirée du roman grec du même nom, Daphnis et Chloé présente l’histoire d’amour de deux enfants abandonnés et élevés par des bergers sur l’île grecque de Lesbos. Dans l’argument original, Chloé se fait kidnapper par des pirates, mais grâce au secours du dieu Pân (nous lui devons l’étymologie du mot « panique » puisqu’en Grèce antique il pouvait nous faire perdre la tête d’effroi), elle est ramenée saine et sauve et les amoureux célèbrent une fin heureuse. 

La première du ballet fut dirigée par Pierre Monteux le 8 juin 1912 à Paris, et l’événement ne fut pas accueilli en pompes. Nijinski venait tout juste de présenter aux Ballets russes le Prélude à l’après-midi d’un faune de Debussy qui avait causé tout un scandale. Daphnis et Chloé fut alors reçu par un public déjà appréhensif. 

Il nous est impossible d’évoquer la musique symphonique du 20e siècle sans réfléchir sur le thème du temps pour les compositeurs français de l’époque. Daphnis et Chloé en est un parfait exemple : l’œuvre s’ouvre dans un paysage sonore où nul ne saurait placer le premier temps. L’atmosphère musicale est aqueuse, fluide. Ce tableau, évoquant le mouvement impressionniste chez les peintres de l’époque, imagine un doux après-midi au ciel clair, à la lisière d’un bois sacré. Dans le ballet original, Daphnis enseigne à Chloé à jouer de la flûte de pan, et ils tombent vite amoureux sous le regard des nymphes.  

Débute alors la deuxième partie du ballet par une chorale sans paroles, aux airs inquiétants et aux harmonies tendues. La scène qui suit est animée, la musique très rude et saccadée : nous sommes chez les pirates où Chloé est captive. La troisième partie du ballet annonce la réunion des amants perdus. La scène s’ouvre sur un somptueux lever du jour. L’effet sonore des notes rapides des bois, des cordes et des harpes, peintes sur de longues lignes mélodiques et de riches harmonies, culmine en un soleil radieux, soulevé par les percussions. À la fin, l’ambiance pastorale cède la place à une explosion toute fougue toute passion, une fin qui satisfaisait la tension et le désir accumulés depuis le début du ballet. 

Le chorégraphe Andrew Skeels nous présente ce soir une réinterprétation de l’œuvre. Le ballet s’éloigne de la narration, mais crée néanmoins un univers où le mouvement s’anime à l’intérieur des tableaux musicaux peints par Ravel. Comme pour les Ballets russes, la source d’inspiration demeure les couleurs à la fois miroitantes et enflammées de l’orchestre et la finesse de l’écriture du célèbre Maurice Ravel.

Notes de programme (préambule, Mendelssohn et Ravel) rédigées par Emmanuelle Lambert-Lemoine, étudiante au doctorat en interprétation à l’alto