Le rêve de Cléopâtre (Mel Bonis) :

Un songe porté par les textures sonores

Née à Paris en 1858, Mel Bonis a grandi dans une famille très stricte de la petite bourgeoisie parisienne. D’abord pianiste autodidacte, elle sera présentée à César Franck, qui lui permettra d’entrer au Conservatoire de Paris. Elle excellera en piano, en harmonie et en composition, pour finalement être forcée de quitter le Conservatoire, puisque ses parents l’obligent à se séparer de son amoureux, Amédée Landely Hettich, qui y est aussi élève. Après un mariage forcé, elle est contrainte de se concentrer sur la vie familiale et d’arrêter la composition pendant près de dix ans. Elle recroisera son premier amour, et celui-ci l’encouragera à composer et lui permettra de publier ses œuvres, ayant lui-même un très bon réseau dans le monde musical parisien. Ayant choisi un pseudonyme (son vrai nom étant Mélanie Hélène Bonis), elle souhaitait pouvoir faire reconnaître sa musique dans ce milieu principalement masculin.

C’est dans ce contexte que nait la pièce Le rêve de Cléopâtre (1909). Elle peint un portrait à la fois calme, grandiose et passionnel de Cléopâtre. Cette œuvre s’ouvre avec une ambiance songeuse, notamment par les harmoniques des cordes et de la harpe, qui sera rapidement rompue par un solo de clarinette instaurant une atmosphère plutôt intrigante. Son œuvre est ponctuée par des sommets d’intensité qui montrent toute sa sensibilité. C’est à travers des thèmes parfois tendus, espiègles ou majestueux, mais aussi des textures sonores variées que la compositrice montre la complexité et la richesse de son orchestration. Le tout en restant dans l’univers du songe, sans entrer dans celui du cauchemar.

Concerto en Sol majeur (Maurice Ravel) :

Soliste : Cissy Zhou

L’art de peindre avec l’orchestre

Contemporain de Mel Bonis, Maurice Ravel est un compositeur français prolifique et de renommée au tournant du 20^e siècle. Reconnu pour son orchestration novatrice et singulière, il peint des paysages sonores uniques et remplis d’émotions. Il étudie auprès de Gabriel Fauré, et s’inspire grandement des musiques noires américaines, telles que le blues et le jazz.

Le Concerto en sol majeur, composé pendant environ trois ans et créé en 1932, est un véritable succès. Son écriture dévoile un grand souci du détail. Que ce soit avec les percussions qui ponctuent le discours ou les bois qui soulignent les lignes mélodiques des cordes, Ravel maîtrise l’art de la subtilité.

Le premier mouvement Allegramente (gaiement) installe une ambiance festive, notamment par le joyeux solo de piccolo, soutenu par des arpèges rapides au piano et des pizzicati aux cordes. On alterne entre parties pleines d’énergies en tutti et d’autres plus intimes et lentes. Variant l’effectif instrumental et en renouvelant les timbres, Ravel garde l’attention de l’auditeur, notamment en écrivant des mouvements mélodiques qui traversent les instruments. Ce même esprit de célébration revient dans le troisième mouvement Presto (vite), démontrant les capacités techniques du soliste à travers un dynamisme palpable. Les glissandi, les variations rythmiques instantanées contribuent au caractère quasi clownesque et espiègle de ce mouvement.

Le second mouvement Adagio Assai (très lent) présente un immense contraste au niveau du tempo et de l’ambiance. Beaucoup plus intime et introspectif, il débute avec un long solo du piano. L’entrée de l’orchestre se fait tout en douceur, d’abord par un solo de flûte soutenu par les cordes. Cette atmosphère délicate et contemplative sera présente tout au long du mouvement, jusqu’à atteindre un court sommet d’intensité qui s’évaporera délicatement.

Symphonie en ré mineur FWV 48 (César Frank):

Tempête et lumière

La dernière œuvre du programme offre un portrait romantique de la musique française au XIX^e siècle avec la Symphonie en ré mineur de César Frank. Organiste et pianiste, ce compositeur a beaucoup contribué au répertoire de musique de chambre et pour orgue. Son père, voulant faire de lui le prochain pianiste virtuose tel que Liszt, lui organisait des séries de concert. Frank finira par couper les ponts et devra subvenir à ses besoins en étant pianiste accompagnateur puis organiste. En 1872, il obtient le poste de professeur d’orgue au Conservatoire de Paris.

Sa symphonie en ré mineur (1888), en trois mouvements, est comme un voyage à travers des paysages sombres, douloureux, mouvementés puis des endroits lumineux et triomphants. Celle-ci est même « ébouriffante » selon Claude Debussy.

Le premier mouvement, Lento; Allegro ma non troppo (Lent; Vite, mais pas trop), offre une introduction très sombre et inquiétante, qui construit une tension, notamment par l’utilisation de chromatismes, jusqu’au Allegro dramatique et mouvementé, tout en laissant place à de courts passages plus calmes et lumineux. Le tout jusqu’au triomphe de la tonalité de Ré majeur, telle l’apparition d’un rayon de soleil au travers de sombres nuages pendant une tempête.

Le deuxième mouvement, Allegretto (modérément vite), donne une impression de marche funèbre. La harpe, soutenue par de lourds pizzicati, instaure un sentiment militaire en gardant le rythme stable. L’un des thèmes principaux est présenté par un solo de cor anglais, dont le timbre donne l’impression d’une plainte lointaine. La partie centrale donne un caractère de scherzo, blagueur et vif, qui amène une finale douce et légère.

Le dernier mouvement, Allegro non troppo, est un triomphe assumé de la tonalité de Ré majeur. Avec une mélodie syncopée et brillante, Franck installe une atmosphère ludique. Reprenant les thèmes des deux précédents mouvements, ce dernier conclut l’œuvre dans un esprit festif et lumineux.

Notes de programme par Philippe-Olivier Gagnon, étudiant à la maîtrise en musicologie, rédigées sous la supervision de Sylveline Bourion